郑柏君，这位活跃于纽约的华人时尚与艺术摄影师，近年来以其极具个人语言的概念性影像作品，在全球视觉艺术领域崭露头角。他不仅是摄影师，更是叙事者，是构建视觉世界的导演。他的镜头，游走在现实与幻境之间，以情绪为载体，探讨身份、文化与社会结构等复杂议题。毕业于纽约PrattInstitute的MFA摄影硕士项目，郑柏君将东方文化的隐喻美学与西方的视觉结构语言融合，以细腻而强烈的画面建构，打破了时尚摄影的传统边界。他的作品曾登上多本时尚杂志，也曾与SHEIN、MSI、New Balance等品牌展开商业合作，但即使是商业项目，他依然坚持将情绪深度与文化张力注入画面之中。“概念性影像”，在郑柏君的理解中，并不只是一个艺术术语，而是一种将摄影转化为思维表达的媒介。他认为一张摄影作品不仅要“好看”，更要“能说”。它应承载某种问题意识，成为观看与思考之间的桥梁。他的影像充满着电影感的构图与光影安排，在静止中制造时间感与未完成感，让观众不仅停留于表层的美，更愿意深入挖掘背后的主题：身份焦虑、语言暴力、刻板偏见，乃至社会沉默机制。作为在台北成长、纽约生活的创作者，他的影像自然带有双重文化背景的“张力”——台北给予他节制与形式感的训练，纽约则解放了他对视觉语言的表达自由。因此，他的影像中总有一种特殊的秩序感与冲突感并存：画面极其精致，但情绪却极其爆裂；构图冷静克制，内在却暗涌澎湃。“我经常在结构与自由之间思考。”郑柏君坦言。他不满足于简单的东西融合，而是试图打造一种文化之间的对话结构，一种让观众通过画面去理解语言、身体、意识如何被文化所塑造与操控的路径。当代摄影正处于一个被AI和生成影像技术快速重构的转折点，郑柏君对此不仅不排斥，反而走在前列。他将Midjourney与Stable Diffusion等工具视作“灵感模拟器”，用于前期的概念草图与氛围设计。在他看来，“AI并不能替代情绪，但它能激发幻想。”通过AI与3D图像的交互，他得以更自由地策划视觉剧场，让拍摄现场从传统的镜头记录变成一种现场叙事的艺术行为。他曾在为杂志拍摄的一组作品中，与3D艺术家合作将AI建模与实景拍摄融合，完成了超现实感极强的空间构图。这不仅仅是一次视觉实验，更是他从“摄影师”身份迈向“视觉导演”的转型点。郑柏君并不把“时尚摄影”限定在服装与模特之间。他认为影像本身应具备延展性，可以介入空间叙事、品牌精神、甚至是饮食文化。他拍摄过夜店、餐厅、展览装置，更创立了自己的视觉工作室 Arcturus Studio ——以古希腊神话中代表守望的星辰命名，象征他的镜头不是旁观者，而是情绪的引导者。“风格固然重要，但别急着为了风格而创作。”在郑柏君看来，真正动人的作品，往往不是来自视觉技术的堆砌，而是来自创作者与自我之间诚实的凝视。他的影像，既是诗，也是评论；既是美，也是问题。在真实与幻想的交界线上，他用镜头提醒我们，影像的力量，不止是看见，而是唤醒。
